l'inouï #1
Introduction à FAMA de Furrer
Le travail de Philippe Leroux
Sommaire du n° 2
Sommaire du n° 1
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Résumés

Aspects de l'œuvre de Beat Furrer

Daniel Ender

Portrait par touches successives de la physionomie artistique de Furrer, ce texte aborde quelques traits essentiels tant de la trajectoire biographique que de l'esthétique du compositeur : lien avec les arts plastiques, goût pour l'improvisation, travail de différenciation infime du matériau, métaphore du clair-obscur, complexité du traitement rythmique, enchevêtrements musicaux et littéraires, problématique de la continuité, importance de la voix. En relation avec certains de ces traits, des passages du Quatuor à cordes (1984) et de Nuun (1995-1996) sont commentés plus en détail.

Recouvrir, découvrir... entretien avec Beat Furrer

Martin Kaltenecker

Dans cet entretien avec Martin Kaltenecker, Beat Furrer évoque ses débuts à Vienne et sa relation avec Roman Haubenstock-Ramati, sa façon de concevoir l'écriture musicale - comment on peut redécouvrir un son instrumental et le "gagner" malgré les sédimentations historiques qui le déterminent et le recouvrent –, ou encore son intérêt pour la conjonction entre des éléments dramatiques et une pensée formelle inspirée de Morton Feldman. Enfin, il évoque plus particulièrement certaines de ses œuvres récentes (notamment scéniques) : Aria, Die Blinden, Narcissus, Begehren, Invocation et FAMA.

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FAMA, une introduction

Daniel Ender

Fama est le nom que porte dans les Métamorphoses d'Ovide la déesse de la rumeur. La maison de Fama décrite par Ovide est un étonnant dispositif ou appareil d'écoute – de surveillance – qui inspire FAMA (2005), le nouveau "théâtre pour l'écoute" de Beat Furrer. Dans cette œuvre, le texte d'Ovide n'apparaît pas comme tel : la maison de Fama et la situation acoustique qui en est déduite forment un espace dans lequel est projeté l'un des textes clefs de la culture viennoise fin de siècle, Mademoiselle Else d'Arthur Schnitzler, dont le traitement vocal et dramatique par Furrer intensifie les caractéristiques stylistiques et formelles intrinsèquement très musicales.

De Voi(rex) à Apocalypsis : essai sur les interactions entre composition et analyse

Philippe Leroux

Le projet musical Voi(rex)-Apocalypsis de Philippe Leroux s'inscrit dans le cadre de sa réflexion sur les relations qu'entretiennent la composition et l'analyse musicale. Cet article tente dans un premier temps, en mobilisant l'expérience musicale du compositeur, de scruter ce que l'analyse peut apporter à un créateur dans le cadre de son travail : sur quels objets l'analyse porte-t-elle ? quels en sont les objectifs et les perspectives sur le plan compositionnel ? Puis, à la lumière de cet examen, il s'attache à décrire les rapports qu'entretiennent Voi(rex) et Apocalypsis, montrant notamment comment cette dernière œuvre s'élabore à partir du corpus que constitue la première.

La composition d'un mouvement de Voi(rex), de son idée formelle à sa structure

Nicolas Donin & Jacques Theureau

Sur la base d'une étude empirique du travail de composition de Voi(rex) par Philippe Leroux, nous proposons une critique génétique du 4e mouvement de cette œuvre. Il est particulièrement intéressant d'aborder ce mouvement selon une telle perspective dans la mesure où son écriture a exploré une intuition formelle initiale, notée sous la forme d'un simple schéma, dont la concrétisation musicale a connu un cheminement assez complexe pour qu'il soit difficile, mais non impossible, de retrouver cette forme sur la base de la partition publiée. La fécondité de cet écart entre le projet et la réalisation peut être l'objet non seulement d'une analyse de la partition (proposée dans cet article) mais aussi d'une écoute de ce mouvement (proposée dans le DVD-rom).

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Introduction

Hugues Vinet

L'objet de ce texte est de fournir une synthèse des problématiques de recherche liées au geste et à l'écriture du temps et de l'interaction telles qu'elles sont abordées à l'Ircam et d'introduire les contributions de chercheurs, musicologues et chercheurs sur ces sujets. La constitution de "nouveaux instruments" associant dispositifs de captation gestuelle et procédés de synthèse pose en particulier la question du statut des relations liant geste et son, à la fois du point de vue technique et de la scénographie. Quant au thème de recherche sur l'écriture du temps, il vise à renouveler les concepts et outils formalisant l'inscription temporelle des événements musicaux afin, notamment, de dépasser les limites actuelles de l'interaction en temps réel et de susciter une confrontation renouvelée entre le vivant du concert ou du spectacle et la conception formelle de l'œuvre.

Le geste : questions de composition

Pierre Jodlowski

Prendre en compte l'incidence de l'action musicale, de son impact tant visuel que sonore, suppose de faire du geste le point de départ de l'écriture et non son résultat. Cette question concerne la composition de façon générale, bien au-delà du genre du théâtre musical et sans se restreindre à l'enjeu technologique.

Après avoir pris quelques exemples chez Maurizio Kagel, Jani Christou et Thierry de Mey, l'auteur illustre sa position sur la base de certaines de ses œuvres récentes : N,N,N (2001-2003, en collaboration avec la chorégraphe Myriam Naisy) ; In & Out I pour violon, violoncelle et dispositif audiovisuel (2004) ; Time & Money (2003-2006) réalisée en collaboration avec le percussionnniste Jean Geoffroy et le vidéaste Vincent Meyer ; et une collaboration avec la chorégraphe Emmanuelle Huynh et les équipes de l'Ircam.

Interfaces gestuelles, captation du mouvement et création artistique

Frédéric Bevilacqua, Nicolas Rasamimanana & Norbert Schnell

Nous présentons dans cet article les enjeux scientifiques et artistiques des interfaces gestuelles et de la captation du mouvement. Après le rappel de quelques repères historiques, nous insistons sur le fait qu'il faut considérer les interfaces gestuelles dans le contexte plus large de l'interaction homme-ordinateur. Nous décrivons ensuite les interfaces gestuelles utilisées en contextes musicaux et discutons plus particulièrement le cas des "instruments augmentés", qui font l'objet de recherches et développements à l'Ircam ; en particulier, nous présentons le cas du violon augmenté, qui a donné lieu à un travail collectif impliquant notamment l'équipe Applications temps réel de l'Ircam et la compositrice Florence Baschet. Finalement, nous décrivons les enjeux liés à des projets de danse utilisant la captation de mouvement.

Griffhand. Introduction à Salut für Caudwell de Helmut Lachenmann

Laurent Feneyrou

Helmut Lachenmann composa Salut für Caudwell, œuvre radicale pour deux guitaristes, en 1977, alors que la Fraction Armée Rouge multipliait les enlèvements au cours d'un sanglant "automne allemand". Un extrait de Illusion and Reality du philosophe anglais d'obédience marxiste Christopher Caudwell, déclamé en hoquetus par les deux instrumentistes, offrit au compositeur l'occasion d'affirmer les déterminations sociales de la liberté et de la création. Du gestus musical et politique de Salut für Caudwell, de ses accents structurels ou mélodiques, du gel, de l'ostinato et du rythme saillant, "extrêmement calme et rigoureux" de ses violentes salves comme ultime et exceptionnel moyen gestuel, de l'extraordinaire inventivité des modes de jeu confiés à la guitare et de leurs adresses à l'autre, de la dimension haptique du langage lachenmanien et de son manifeste pour un art conscient de ses conditions, cet article est l'objet.

Mettre en scène Salut für Caudwell (notes préliminaires et questions rétrospectives)

Xavier Le Roy

Ce texte comporte deux parties : des extraits des notes de travail personnelles de Xavier Le Roy sur la conception du spectacle Mouvements für Lachenmann ("mise en scène" d'œuvres de Lachenmann, créée à Vienne en novembre 2005) ; un entretien par correspondance entre Xavier Le Roy et Nicolas Donin sur ce spectacle et plus particulièrement sur la partie consacrée à Salut für Caudwell, présentée en juin 2006 au festival Agora de l'Ircam.

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Installations sonores : vers une interaction audition/corps/espace

Olivier Warusfel

L'instrumentalisation de l'espace dans la composition musicale, ou la conception d'environnement à vocation ludique ou d'exploration scientifique peut être enrichie en empruntant à la réalité virtuelle son potentiel d'immersion multisensorielle et sa logique d'interaction avec le contenu. Cette évolution débouche sur le concept d'installation sonore interactive engageant conjointement, de manière réaliste ou symbolique, l'audition, le corps et l'espace. À partir de l'exemple précurseur du projet Listen, nous présentons le substrat technologique sur lequel s'appuie ce concept et tentons d'initier une réflexion sur les questions d'écriture conjointe de l'espace et du temps et sur les conditions de pertinence perceptuelle et cognitive d'un vocabulaire propre aux transformations spatiales.

Musique Lab 2, un environnement pour la pédagogie musicale

Fabrice Guédy

Musique Lab 2 est une suite logicielle permettant la création d'outils musicaux adaptés à diverses situations pédagogiques. Elle s'adresse à des élèves comme à des professeurs, elle concerne les enseignements généraux du collège, mais également les enseignements spécialisés et les conservatoires.
Cette suite s'articule autour de trois logiciels capables de produire des applications spécifiques adaptées à une problématique singulière : Musique Lab Annotation, Musique Lab Audio, Musique Lab Maquette. Nous en présentons les principes de conception et les fonctionnalités essentielles à travers quelques exemples d'utilisations.

OpenMusic, de la composition à l'enseignement

Gérard Assayag & Jean Bresson

OpenMusic, environnement de Composition Assistée par Ordinateur développé par l'équipe Représentations musicales de l'Ircam, a opéré un véritable changement de paradigme par rapport à ses prédécesseurs dans la manière d'aborder le temps musical, en proposant notamment un nouveau concept de partition dynamique et programmable. Les maquettes ainsi constituées sont de véritables modèles de séquences musicales qu'il est loisible de paramétrer et d'explorer selon tous les paramètres imaginables, jusqu'au contrôle de la synthèse sonore. Une version pédagogique de cet environnement, Musique Lab Maquette, permet au professeur de disposer d'un puissant outil de représentation et de modélisation qui lui permettra de sensibiliser le jeune public à l'analyse et à la composition.

Vers l'annotation multimédia d'infomations musicales

Nicolas Donin

De l'apprentissage instrumental à l'analyse musicologique en passant par les situations de répétition, les pratiques d'annotation de partition (ou d'autres informations musicales) sont innombrables et leurs logiques sont variées. Annoter une notation musicale n'est pas un geste anodin : c'est en suggérer une lecture et une écoute, par focalisation de l'attention.

Issu de travaux musicologiques sur les différentes fonctions de l'annotation musicale, le logiciel Musique Lab Annotation permet d'inscrire et de mémoriser des annotations sur un support graphique et temporel donné – notamment une image de partition synchronisée à un fichier son correspondant. Quelques caractéristiques importantes de ce logiciel, et les perspectives musicales qu'il ouvre pour l'enseignement, sont présentées.

Le traitement du son en pédagogie musicale

Fabrice Guédy

Destiné au développement d'outils pédagogiques tirant parti de l'action en temps réel sur le son, le logiciel Musique Lab Audio intègre de nombreux outils et traitements issus des équipes de recherche de l'Ircam. Un effort particulier a été mis sur les interfaces externes pour permettre aux élèves de s'affranchir du clavier et de la souris, permettant l'emploi de capteurs ou de webcams pour associer un geste à des paramètres de synthèse. Des applications d'analyse permettent de visualiser des caractéristiques du son, d'autres sont axées sur la création, d'autres encore permettent aux élèves de travailler chez eux des œuvres mixtes instrument/ordinateur, favorisant le désenclavement de ce répertoire.

Quel devoir d'éducation musicale à l'heure d'Internet ?

Vincent Maestracci

Par les bouleversements qu'il amène dans les modes de diffusion et de consommation de la musique enregistrée, l'Internet défie les fondements même de l'éducation musicale dispensée par le service public de l'éducation. Que faire ainsi pour éduquer à un bon usage de la quantité sans cesse croissante et bien peu organisée de musiques enregistrées auxquelles chacun peut accéder ? Que faire avec le Son, paramètre parmi d'autres certes, mais prenant aussi une place de plus en plus importante dans la perception musicale chez les jeunes générations ? Comment profiter de la prolifération des écoutes individuelles (lecteurs MP3) et parallèlement l'éduquer et en tirer parti pour la construction d'une culture ? Enfin, comment préparer les jeunes générations à l'arrivée imminente d'outils d'instrumentation de l'écoute, à ce moment où l'écoute pourra aussi être un acte de création ?